Desde sus inicios en la vibrante escena de Montreal en los años 90, hasta su reconocimiento actual como productor, DJ y fundador del sello Turbo Recordings, Tiga se mantiene fiel al presente, sin ceder ante la nostalgia. Su compromiso inquebrantable, su curiosidad creativa y su constante reinvención artística han hecho que el canadiense resista el paso del tiempo y siga consolidándose como un referente explorador de géneros sin inhibiciones y amante de la sinceridad en sus producciones. Una destacada figura esencial en la evolución del “electroclash” –movimiento que fusionó el espíritu del techno con la provocación del pop, el arte y la moda– que ejerció un despegue estratosférico con “Sunglasses at Night” en 2001, un éxito que anticipó a una trayectoria que, durante décadas, ha redefinido la pista de baile.
Tras colaboraciones con talentos universales como Gesaffelstein, Duke Dumont, Azari & III, Chilly Gonzales y Hudson Mohawke; además de remezclar a referentes de la música electrónica y el pop como Depeche Mode, Moby, Hot Chip, Booka Shade y LCD Soundsystem, Tiga ha logrado un sonido que no entiende de tendencias ni generaciones. Desde “Sexor” (2006), galardonado con el Juno Award, hasta álbumes como “Ciao!” (2009) o sus EPs más recientes, reflejan ese sentimiento que, como él mismo dice, “hace que la música sea genial” y “permanezca en la memoria del oyente”. Después de más de tres décadas guiado por la diversión y la libertad creativa, Tiga continúa explorando nuevos elementos y texturas electrónicas. Aunque afirma que “no hay nada específico en el mundo de la música” que le apasione en este momento, aborda la música como un nuevo comienzo con el single “Ecstasy Surrounds Me”, adelanto de su tan esperado álbum “HOTLIFE” (2026).
Tiga actuará en la décima edición del Dantz Festival, que tendrá lugar en Donostia los días 28 y 29 de agosto.
– Si piensas en los inicios de tu yo más joven ¿qué crees que más le sorprendería de lo que has logrado?
Creo que al joven Tiga le sorprendería la cantidad de discos que he grabado. Y quizás también lo mucho que ha durado todo esto: cuántas cientos y cientos —y miles— de fiestas. Porque nunca pensé en el futuro, nunca pensé realmente en cuánto duraría. Siempre tuve mucha confianza. Así que, sobre todo, creo que al joven Tiga le sorprenderían las cifras.
– DNA Records, la legendaria tienda de discos que dirigías en Montreal, se convirtió en un punto de encuentro para DJs, productores y fans. ¿Crees que el sentido de comunidad que se creó en la tienda influyó en la evolución de la escena electrónica de Montreal durante ese periodo?
Sí, sin duda. Las tiendas de discos de los 90 eran el centro de todo. Era una escena musical en el sentido más estricto de la palabra. A todos les importaba lo que hacían los demás. Era competitivo, pero también muy amigable. Todo giraba en torno a conseguir los discos más recientes. Ahí conseguías tus entradas, tus mixtapes, veías lo que llevaba todo el mundo… Aunque no echo de menos nada de los viejos tiempos, las tiendas de discos eran algo muy divertido. Eso nunca ha sido reemplazado. Ya no existen lugares así.
– Tras trabajar con artistas como Chilly Gonzales, Soulwax y Hudson Mohawke, y remezclar leyendas como Depeche Mode, Moby, The XX y LCD Soundsystem, ¿cómo el interactuar con su música ha moldeado tu comprensión de lo hace que la música electrónica se vuelva verdaderamente atemporal?
Una lección que aprendí después de trabajar con los remezcladores, al ver sus temas desmontados —sobre todo con Depeche Mode— es que una buena canción no tiene mucho que ver con la calidad sonora de todos sus ingredientes, sino que se trata de la composición, de cómo encajan las piezas. Eso ocurre en las canciones atemporales y en algunos de esos clásicos. No es como el techno, donde suele ser al revés. Me llevó mucho tiempo comprender mejor qué es lo que hace que la música sea atemporal, y creo que lo que realmente la hace genial es simple: el sentimiento. Es difícil describir cómo hacerlo, pero tiene que haber una conexión, algo muy real en ese momento. “Enjoy the Silence”, de Depeche Mode, por ejemplo, simplemente captura una sensación y siempre la conservará. Todavía no entiendo bien las canciones pop, y siempre he querido escribir grandes canciones como Depeche Mode. Para mí es difícil, así que lo hago de forma un poco diferente. Componer canciones es algo muy personal. Hay diferencias: la capacidad de combinar palabras es una cosa; crear melodías y armonías es otra; y el groove y el ritmo son cosas completamente distintas también. Así que, a veces, si tienes suerte, lo consigues todo.
– Aunque has explorado muchas eras y géneros, desde electroclash hasta techno y temas con influencias pop, siempre has incluido el “pop” en tu paleta, en temas como “Far From Home”, “Bugatti” y “Shoes”. ¿Qué tiene ese género que siempre te ha hecho sentir que pertenece dentro de la música electrónica?
Creo que cuando se trata de los discos que me encantan, los que compro o los que escucho, me conformo con material muy instrumental, minimalista, repetitivo. Pero en cuanto a hacer música, eso me aburre y me encuentro en el estudio queriendo añadir más de mi propia personalidad. Mi imaginación se pone en marcha, me emociono y pienso en unir palabras. Supongo que ahí es donde empieza el “pop”. Para mí, en realidad, el “pop” no empieza con melodías, empieza con la combinación de ritmo, algunos sonidos y algunas palabras. Me gusta la emoción que surge cuando todo se une y termina siendo, simplemente, una gran canción y algo para recordar al día siguiente. Es difícil decirlo, pero creo que no hay reglas sobre esto. Por ejemplo, hay discos de baile increíbles que tienen algo realmente memorable, y los considero “pop”. Para mí, el “pop” es simplemente darle al oyente y al cerebro algo para recordar.
“Aunque no echo de menos nada de los viejos tiempos, las tiendas de discos eran algo muy divertido. Eso nunca ha sido reemplazado. Ya no existen lugares así”
– En cuanto a !L’Ecstasy! (2023), trabajar con Hudson Mohawke conectó dos energías creativas muy distintas. ¿Cómo fue el proceso de equilibrar los momentos más tiernos y emotivos con la ironía aguda y juguetona que define tu sonido?
¡Buena pregunta! Para mí fue divertido porque me gusta lo juguetón, aunque no intento ser irónico con mi música. Me gusta ser sincero. Como la mayor parte del trabajo que hicimos fue durante el COVID, tenía sentido que estuviéramos simplemente explorando, divirtiéndonos, con un final muy abierto. No parecía música de club ni de baile. Se trataba de explorar una forma más sensible, y creo que eso es un reflejo de nuestra amistad. El ser muy abierto con la emoción de la música. Digamos que la forma más sencilla de responder a esta pregunta es: la música te transmite diferentes emociones y sentimientos. Y uno de ellos, donde Ross y yo encontramos algo en común, es básicamente esa emoción del final de la noche con las manos en alto. Una especie de sentimiento musical muy romántico y antémico, algo que siempre encontramos en los viejos discos “rave”.
– Recientemente vendiste tu catálogo a BEAT Music Fund, lo cual, según has comentado, abre nuevas puertas a tu creatividad. ¿Cómo influye este hito en tu forma de abordar nuevos proyectos, experimentación o colaboraciones?
Bueno, creo que para mí, por ejemplo, uno de los aspectos más importantes de un álbum es la psicología. Es como un pequeño capítulo en tu vida y tiene una especie de arco: empiezas un disco —quizás tengas problemas con las ideas o se te ocurren un montón— y luego, consigues muchas demos y todo se vuelve caótico. Poco a poco vas poniendo orden, y cuando todo empieza a coger forma, llega el estrés, lo terminas y entonces, eres feliz. El punto es todo el proceso: cuando terminas un álbum, se siente como un nuevo comienzo, como si pudieras despejar tu mente. Te sientes justificado en un nuevo capítulo, porque realmente hiciste el trabajo. Con BEAT Music Fund fue similar. El acuerdo me da mucha libertad psicológica y es como pasar página. Se siente muy bien. Esos discos van a vivir ahí fuera, se desarrollarán y se les presentará a nueva gente. No soy una persona nostálgica, no me importa mi legado, ni el catálogo —bueno, me importa en un sentido comercial y mientras las canciones sigan como están—, pero realmente no veo cómo eso podría cambiar.
– Turbo celebró su 25.º aniversario el año pasado, un hito enorme para cualquier sello independiente. En retrospectiva, ¿cuál crees que ha sido la clave que ha permitido a Turbo sobrevivir, evolucionar y mantener su pasión e identidad durante todos estos años?
Soy muy leal a la gente y a los proyectos, y en este caso, muy leal a Turbo. Es como si fuera un amigo. Hemos tenido muchas oportunidades de romper nuestra relación, y ahora es como: “vale, vamos a seguir hasta el final, vamos a seguir para siempre, 25 años, 50 años, lo que sea”. Así que, creo que lo primero es el compromiso. Además, siempre ha ayudado a Turbo que no fuera mi principal fuente de ingresos. Tengo libertad: Turbo está configurado para que pueda hacer lo que quiera. Puedo sacar un disco raro, un buen disco, un mal disco, puedo cambiar de estilo… El secreto para sobrevivir es que simplemente ha sido un reflejo de lo que me gusta, y no ha habido demasiada presión. No hay grandes expectativas. Y, ya sabes, también se necesita un poco de suerte.
Hemos recibido muy buena música de gente a lo largo de los años. Tenemos artistas como Gesaffelstein, Chromia, Duke Dumont o Azari, proyectos que le dieron vida al sello y muchas contribuciones excelentes. Básicamente, me gusta mucho Turbo. Y me gusta que Turbo pueda ser atemporal.
– Has firmado con artistas como Diego Infanzon, Keepsakes, DJ JM o Black Light Smoke. ¿Qué encuentras en su sonido que encaja con la filosofía de Turbo?
Creo que en esos ejemplos, la filosofía de Turbo es justo lo que me gusta. El único hilo conductor es mi gusto, con eso me basta. Y creo que así es como debería ser. Black Light Smoke, es claramente el clásico híbrido electro techno: tiene un toque ochentero y lo hace de forma inteligente. Recuerdos, me gusta que haya. Escucho muchos ecos de la vieja música industrial que me gustaba, pero hecha de una forma nueva. Me importa sobre todo escuchar algo original. En cuanto a DJ JM, él es probablemente el mejor ejemplo. Hay artistas que hacen “techno” y simplemente, tienen la energía “turbo”. No sé cómo describirlo. Es divertido, es poderoso y es algo nuevo, a su manera. Me cuesta mucho encontrar discos de “techno” que me gusten y que no me aburran. Así que, me gustó mucho descubrir esta actitud en sus discos. Esa es la filosofía del sello: potencia, originalidad y diversión. Eso es todo.
– Muchos de estos nuevos lanzamientos mezclan géneros y estilos (techno, electro, elementos atmosféricos). En muchas ocasiones has dicho que no te interesa la música “previsible”, ¿cómo identificas la originalidad o el riesgo cuando descubres nuevos artistas?
Bueno, no se puede definir. Es como una sensación, pero muy real. ¿Cómo describirlo? He trabajado muy toda mi vida para mantener mi sensibilidad intacta. Así que es igual que cuando escuchas un chiste o ves una imagen. Es igual que cuando escuchas música: te entrenas para mantener tu instinto y confiar en él cien por cien, sin importar el resto del mundo. Y estoy orgulloso de eso.
Cuando se trata de la mezcla de estilos, simplemente, hay un momento instintivo. Si reviso diez demos, algo tiene que llamar mi atención. Si hay algo que llama mi atención, no importa tanto lo bueno que sea o lo pulido que esté. Cómo se ven, qué edad tienen, qué tan fácil es trabajar con ellos, qué tan comprometidos están… todas esas cosas importan un poco, pero no tanto. Después de llamar mi atención, suelo probar el disco, y tiene que tener algo que ver con el público. Si me encanta el disco, lo voy a sacar, incluso si la persona tiene cien años.
“Me llevó mucho tiempo comprender mejor qué es lo que hace que la música sea atemporal, y creo que lo que realmente la hace genial es simple: el sentimiento”
– Te he escuchado afirmar que la esencia del DJing es el arte de la programación, el rompecabezas de mezclar pistas, más que simplemente coleccionar música. ¿Cómo gestionas personalmente este desafío y qué consejo darías a otros DJ para navegar por la abrumadora abundancia de música sin perder el rumbo?
Personalmente, no lo llevo muy bien. Y no tengo ningún consejo porque mi colección de música es un caos, mis listas de reproducción son un caos. Y considerando que soy profesional y que esto es mi medio de vida, considerando dónde estoy en mi carrera, es una locura lo caótico que sigue siendo. Creo que hace que el reto de programar sea más difícil de lo que solía ser. Para mí, esa es la gran ventaja y la alegría de tocar vinilo. En realidad, se trata de tener opciones limitadas, para mi cerebro, lo hace mucho más fácil. No suelo pinchar con vinilo, pero cuando lo hago, suelo tocar mejor. Simplemente porque es menos el ser bibliotecario y más el cómo hacer esas conexiones. Después de muchos años, he desarrollado la habilidad definitiva para crear música realmente buena, ideas realmente buenas, ser un DJ realmente bueno. Es la velocidad con la que haces conexiones y lo interesantes que son esas conexiones. Si tienes 10.000 discos en tu tarjeta y tienes que elegir el siguiente… ¿Por qué ese disco? Programar es como tomar decisiones muy buenas. Cuando realmente provienen de un lugar profundo, ser DJ puede ser realmente increíble. Y para mí, ha sido un gran desafío en la era digital mantener esa sensación.
– ¿Puedes contarnos cómo surgió IAMWHATIAM feat MRD, uno de tus últimos lanzamientos, a partir del taller Live From Earth, y cómo influyó en el proceso creativo el hecho de trabajar en ese entorno colaborativo y estructurado?
Nunca había hecho algo así, porque siempre he estado más en mi propio mundo. Fue la primera vez que hice algo tan comunitario y la verdad es que me gustó mucho. Hacer nuevos amigos y conocer gente nueva te saca de tu idea preconcebida de las cosas. Trabajé con Gislottin Circle –él era mi ingeniero–; conocí a MRD, conocí a 6Sex… Conocí a mucha gente y fue una experiencia muy agradable. A partir de esa experiencia, hice esta canción. Lo curioso es que la canción en sí era simplemente “yo en la computadora”. Era un disco muy simple, pero luego MRD tocó algunos acordes. Ese disco en sí es deliberadamente… simple. Pretende ser una declaración del gusto. Siempre vuelvo a esa cuestión del gusto.
– Además, en el comunicado hablaste de liberarte de las expectativas e incluso de «matar de hambre al algoritmo». Al haber estado presente en la era del electroclash, una época anterior al dominio de las redes sociales y las herramientas de producción avanzadas, ¿recuerdas ese periodo con nostalgia o más bien como una base que ha dado forma a tu enfoque actual de la música?
Sí, en el comunicado hablé de liberarme de las expectativas, de dejar sin recursos al algoritmo. Es algo en lo creo, eso de “matarlo de hambre”. Pero es cien por cien personal. Me gustaba muchísimo la vida antes de los teléfonos o de las redes sociales, cuando pasaba más tiempo hablando con amigos. Sin embargo, siempre me ha resultado más fácil estar conmigo mismo.
Un ejemplo muy sencillo que suele contarles a algunos de mis amigos; después de las fiestas en la época del “electroclash”, volvía al hotel y lo único que hacía era repasar la fiesta en mi cabeza. Sacaba mi diario y anotaba las canciones que tocaba, las que me encantaban. Estaba tan emocionado que tomaba pequeñas notas sobre mi set. Era joven y todos mis sueños se hacían realidad. Y esa emoción, la conservas por más tiempo cuando no hay distracciones. Ahora, en cambio, si entras en “Instagram” diez minutos después, la pierdes al instante. Te la roban y la reemplazan con mil cosas del mundo exterior.
Creo que es una especie de metáfora de, en general, lo agradable que es cuando no recibes nada. Puedes ser tú mismo por más tiempo. No soy nostálgico de esa época porque sigo intentando vivir así tanto como puedo.
Entrevista de Celia Carrera